最近由A2Z藝術畫廊推出的「刹那的光輝不是永恆」（以下簡稱「刹那展」）是何博欣的第八次個人畫展。雖然展出的作品只有八幅，數量少，但我們稍略回顧一下這位90後畫家的藝術發展歷程，會發現她自2012年美國畢業返港至今十分進取，撇除參與十四次大小聯展不講，平均每年至少辦一次個展。努力加上天份，使她在短短六年的時間裡確立了個人獨特的畫風，並贏得連連讚賞，如2014年被稱為「五大必看青年藝術家之一」。
畫畫是何博欣尋找本土身份認同的主要途徑。就我所見，她表達身份認同時所顯示的自主性越來越明顯，而這種自主性首先出自於對傳統表達的不滿足感。例如以香港基層人物的日常生活入畫，就不願局限於現實寫生的做法，而是為現實場景添加彌漫飛揚的煙霧、繁花或魚群，製造色彩斑斕、虛實交錯的強烈視覺效果，以便更有力地呈現她所透視的港人精神世界。在刹那展中，何博欣繼續挖掘這種藝術表達的可能性，如《貓左》（廣東話，飲醉之意）中小貓在畫報紙攤上睡覺，身邊居然出現花開鳥飛的美景；《行到水窮處，坐看雲起時》（陶淵明詩句）畫漁夫在碼頭旁小艇中垂釣，卻被大片山水和金魚環繞，如夢似幻，使觀者有霎時不知身在何處之感。
稍作歸納，可知何博欣的主力畫作多由三大元素構成：其一是日常元素，即捕捉港人日常生活景象；其二是夢幻元素，在畫中加入現實中不可能並列出現的畫面；其三是流行元素，以廣東流行歌詞或名人金句命名畫作。這種表達方式始於2013年個展，當時何博欣借用王家衛《春光乍泄》中的對白「不如，我哋由頭嚟過」為展題，把畫筆下的基層人物如在茶餐廳飲奶茶的大叔、休息中的地盤工人、街市裡切蔬菜的大嬸都納入經典電影的氛圍中，建構了一個前所未見的獨特時空。到了2016年個展「日後路上或沒有更美的邂逅」（用陳奕迅《葡萄成熟時》歌詞），展出的畫作中有中年大叔在蝴蝶紛飛中凝視夜總會海報上的美女（《日後路上或沒有更美的邂逅》），有披雨衣小孩在碼頭近觀鯨魚躍出海面（《其實怕被忘記，至放大來演吧》，用陳奕迅《浮誇》歌詞），有裝修工人工作時身邊擺放著一株從壁畫上摘下的花朵（《摘去鮮花然後種出大廈》，用Shine《燕尾蝶》歌詞）。
刹那展的自主性也來自以上三大元素的組合，但卻有了更深入的層面。點題畫《刹那的光輝不是永恆》有近半幅以大巴女乘客獨倚座背遐思為主景，另半幅描繪大巴內家燕（香港最常見兩種燕子中的一種）比翼雙飛，以及一片荷花荷葉盛放透窗，以壓力克混合粉彩將日常元素和夢幻元素表現得恰倒好處。至於畫題，則取自八十年代歌手蔡楓華的名句，喚起今人對他娛樂事業起伏的回憶，是流行元素。三大元素合成的畫面既熟悉常見卻又不可思議，而不同於以前畫作的是意義有所伸延：何博欣以畫的繽紛絢麗對應「刹那的光輝」，又反過來以「不是永恆」說明繽紛絢麗終歸虛幻落空的人生哲理。
另一作品《人生就是大鬧一場，然後悄然離去》亦見同樣的操作。畫題出自已故香港著名武俠小說家金庸之口，畫中前景是一樹梅花綻開，隱喻著「大鬧一場」的「人生」，後景是港島角落石階，有人獨自拾級而上離去，暗示之前的人生即使再熱鬧也終歸於「悄然」，流露出漸行漸遠漸寂的落寞與哀傷。
除了意義的延申，我發現何博欣也重視畫作的延申。她英譯畫題時放棄了直譯，而採用王家衛電影式的鬆散譯法，如以「forever is a lie always」譯「刹那的光輝不是永恆」，以「the lovers, the dreamers and me」譯「行到水窮處，坐看雲起時」（陶潛詩），以「when love is real, it finds a way」譯「真的加不了，假的真不了」（陳志雲語）等等，使中英文畫題不直接相互對應而必須一起出現，不讓觀者有自行另譯的機會。到了展畫的時候，她索性放棄黏貼列印式的展簽，改而親手把中英文畫題寫在牆上畫框底下。因為手寫基本上和手畫一樣，因此必須把畫題看作畫的一部分，伸延出畫框外，受眾在觀畫時也就無法只欣賞框內世界，而忽視框外的部分。
按照接受美學（reception aesthetics）的說法，由於知識背景學養性格不同，不同的受眾對同一個作品會做出不同的詮釋。然而刹那展讓我們看到的是何博欣在表現其本土身份認同時，更有意識地把藝術品的主導權掌控在其手中，更便利於建構自我的畫風與藝術視野。
回到A2Z藝術畫廊，小小七十五平方尺的展場一覽無遺，剛好容納何博欣的八幅畫作。受眾步入畫廊後，即可看到畫廊盡頭牆上的《人生就是大鬧一場，然後悄然離去》。何博欣給我的感覺，每一次個展都是「大鬧一場」，而愛其畫者在看完每一次展覽離去時都會「悄然」頻頻回顧，期待她「大鬧」下一場。